关于吉他速成的问题

  首先声名,这是速成法,基本功不好的肯定会练出后遗证,虽然现在我还不知道后果会如何,但我已经警告过你了,如果你实在没耐心练基本功又想速弹,下文是个参考。但以后,你琴艺不长,可别怨我没告诉你。    
  这样,我就是这样教我一朋友的,结果效果出奇的好,所以我相信如果你照我说的练,我保怔你在最短的时间里对速弹入门,但长远来看,肯定是不好的,但如果你就是想尝尝速弹的感觉,你可以试试。当然我这都是对初学者说的首先,为了降低硬件上的难度,你应该用细的弦(.009以下),和厚拨片(1.5以上)。

  练习:就那最细的第6弦开刀,拿拨片的手要拿实,拨片尖的部分不要出的太多(接处面越大,阻力越大,当然大家都知道),拿拨片最好和弦之前有一些角度(也可以完全平行,但阻力大,我是习惯成30-45度角),自己拨一拨,吉他是很自由的乐器,没有完全正确的姿式,自己舒服最重要。

  这样,正式开始。 非常简单,我要你用吃奶的劲去弹最细的6弦,左手什么都不干,就是右手拨空弦,由慢到快,再由快到慢,尽力的快(对了,忘了说了,拨的时后要上下交替的拨,上一下,下一下),这没有什么难的吧?如果你觉的快的时后已经可以了(保持节拍很重要,不过我相信这也不难,狂抡2分钟能摸到了,另外肌肉也有一定适应时间,拨的时侯用手腕发力,手臂都不动)。可以结和左手了,6弦(最细的),按12-9-10-12-10-9的顺续弹(分别用小指,中指,食指),结和右手,由快到慢,再由慢到快,这个练习可以多练点(如果你是初学),一直弹直到手指都酸了(相信我,很快会酸的),歇会(不要太严厉,不然会肌肉老损的),再来,练习10几分钟(如果你在最高速还弹不稳,多练会)。再换另一个练习,还是6弦,10-7-8-10-8-7的顺续弹(用小指,无名,和食指),照同样的方法练,慢慢来,不着急,其实这已经很速成了。再来第3个练习,9-5-7-9-7-5(小,中,食),当这个练习也练好了,就可以把这样个练习连起来练,比如练习1弹2遍,马上换练习2弹2遍,再练习3两便(队与,初学,这个快速转换也是要花点时间的,要的是连惯的效果,对肉体的控制)。然后在练每个练习只弹1便就换。我相信认和人这么练两天,不说200,160是没问题的(每分钟160拍,每拍弹4下)。当这个练好了,我觉的就有了速弹的基础了,起玛对肌肉和双手的控制是有基础了。当你完全舒服了,还可以练下面这个练习。先是,6弦,15-13-12,再5弦,15-13-12,再4弦,12-10-,再3弦,12-10-9,再2弦,9-7-6,再1弦,9-7-6。这个难度就比光在一根弦上难多了,慢慢练吧(一个月总够了吧)。

  这个练习的目的就是帮助想练速弹又不太想花时间打基本功,或是不入门的朋友,怎么知道练的怎么样了?听Yngwie Malmsteen的曲子,如果你入门了,你就能跟上他的每一个拍子,一边听一边看谱就能跟上了。如果不行,就说明,你对速弹来没找到感觉,多练。直到你能一边Yngwie的曲子,一边用手指着谱子,这样你才能练他的曲子。


说说民谣琴手感的判断标准,再说说选琴的标准

  品质保证jeking杰肯吉他入驻吉他村小编:我想现在很多的人对民谣琴手感的好坏认识有误区。

  第1,绝对不要把弦距高低作为在挑选一个琴时,判断手感好坏的主要标准,这是典型的新手思维。因为弦距高低是可以通过转钢筋来调节的,这根本不是主要的问题。大部分的中档琴刚开始弦距都会偏高,那是因为出厂时预留了弦距,方便对弦距高低不同要求的人来调节。而且关键的问题是,调弦距转钢筋这肿几乎没有任何技术含量的事为什么厂家事先不做好? 弦距调节是要反复试验的,这个事情虽然简单,但是需要花费一定的时间,我想这也是大部分中档琴不调节弦距的主要原因。而yamaha为什么相对比同档次的琴略贵一点,我想它事先调节了弦距,所以成本也会增加一点,天下没有免费的午餐。

     

  第2,一把琴的手感我想主要是决定于它的指板宽度和琴颈厚度,当然我觉得这个方面更多是取决与哪种类型的琴颈更适合你。宽指板适合指弹,窄的适合弹唱,厚的适合手大的人,薄的适合手小的。还有就是个人的习惯,看你习惯于什么类型的,你哪一种用的更爽。做琴的人不是傻子,如果琴颈是越窄越薄手感越好,他们为什么还要做宽厚的琴颈?

 

  所以选一把琴的时候,当考虑这个琴的手感是否好的时候,不要把弦距高低作为主要的因素。如果你老是以为弦距低就是手感好,容易被卖家避重就轻,甚至忽悠,把一个不是关键因素的东西作为了主要卖点! 那你在手感方面主要要考虑什么?主要是看琴颈宽窄和薄厚,如果你手比较大,有薄有窄的琴颈可能让你有力无处使。如果你手小,那么厚的琴颈会让你在高把位弹奏是费力。还有就是音乐风格,如果你玩指弹比较多,稍微宽一点的琴颈可能更适合你。其次再看看品丝怎么样,滑音的时候戈不戈手。

  那么弦距高低不重要么?非常重要,而且几乎是最重要的,但是这觉不是你选择琴时主要考虑的因素。因为调节弦距是比较容易的事情,你完全可以自己调。如果你不会调,也完全可以在买琴的时候让琴行的人帮你调好,代价最多是断一根一弦。而且最好你也能跟琴行的人学一下怎么调。因为琴时间弹长了,包括你换弦的时候,都会引起琴颈的弯度改变,所以调琴颈是你以后弹琴生涯必不可少的事情。

 

  当然几百多块钱的那种根本没有钢筋可调的低档琴不在这个讨论的范围。我也根本不建议大家买那种琴。但是如果你实在没钱,需要买低档的琴。那么我建议你一定要看那个琴是否有钢筋。没钢筋最好不要买。据我所知,两三百的琴也是有一些带钢筋的,所以那些才一定是你的首选。带钢筋意味这这些琴的弦距可调。要知道在中国很大一部分人放弃学吉他就是因为弦太高手受不了,按不了大横按。还有一点要注意,有的低档琴的钢筋是假的,是骗人的,根本转不了,一定小心。

  最后说说买一把琴你到底要注意什么因素。

  1,外观和音色,这两个放在一起说,因为我觉得是同样重要的。当然有的人觉得外观无所谓,音色好就行。那我觉得是个人的侧重点不同。但我反对把音色的重要性夸大化,甚至神圣化,做所谓“唯音色论”。我觉的,在价格琴的价格差距不是很大的时候,音色的差距其实也不大,至少对于普通的不玩琴的人来说,几乎听不出区别,甚至对一些玩琴的人也听不出。而外观风格可能是南辕北辙,所以,选一个外观喜欢的,至少是看上顺眼的琴其实挺重要。选琴很选老婆一样,如果长的不顺眼,即使她人品再好,再温柔贤惠我想你也会有点不爽。 相反,如果你选了一把外观你喜欢的琴,你抱在手里都是一种享受,你都愿意去弹它。在人面前表演的时候,别人也会说夸你的琴帅,也为你的弹琴造型加分不少! 相反,如果你拿了一把丑的琴,可能会破坏你的舞台造型。

  2,手感。用上边说过的标准去选适合你手型的。

  3,材料,面板最好是云杉单板,雪松单板也可以。背侧最好玫瑰木,桃花心木也不错。当然你喜欢明亮的音色的话,枫木背侧是不2的选择。

  4,做工。这个不多说,好的做工琴的高档,而且做工好的琴往往其它品质也高。

  5,其它配置,旋钮是什么品牌的?会不会跑弦?如果是电箱,拾音器也是非常重要的考虑因素.

 

  最后在给没钱的朋友说说低档琴的选择。低档琴的选择因素我觉得是:

  1 ,看有没有可调节琴颈的钢筋,没有最好别要。当然小心钢筋有假。

  2,音准问题。低档琴的音准不是很保险,最好试一试,看看音准大概准不准,如果你听不出音准,那没办法了。

  3,看看材料。最理想的面板是云杉,背侧最好是沙比利。这个价位的这个组合应该是最好最靠谱的。当然如果背侧是桃花芯木或者玫瑰木那就太好了,不过从价位上讲可能性小。椴木,秋木之类的琴是比较低档和垃圾的,能不选就不选。特别是全椴木之类的,简直就。。。。。   低档琴材料的选择往往决定音色,因为新手往往对音色没什么概念,所以从材料上来选把,这样选音色好一点的琴的几率大点。当然如果有高手和你一起帮你选了一把音色好的琴,那么你也无视材料。因为选材料主要是为了音色好。

  希望上边说的能对一些朋友有所帮助


10个吉他和弦压好的方法!

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  C和弦姿势吉他和弦:按的姿势会有影响?!

  吉他初学者,在练习按压开放和弦(Open Chord)时,常会按不好,发出「滋..」的杂音,或者「闷」的声音,这通常是因为按弦的姿势不佳所导致的。这样弹奏给别人听时,对方也会觉得你吉他的声音好像怪怪的。
所以弹吉他时,请特别注意自己有没有这个问题,随时调整自己的手指姿势,以下提出几种初学者常见的错误按弦方式:

  吉他和弦:错误的姿势(大家来找碴)

4. 碰触到其他弦

手指指肉碰触到其他的弦,也是吉他新手常常会犯的错误,这时候就要注意调整一下指尖的角度。

  1. 不够靠近琴衍

  这是很多初学常犯的错误,要记得手指要尽量靠近琴衍(Fretwire,我们俗称的品丝),这是压弦最省力的方式。如果手指按在中间也不太好,靠左边也容易「压不紧」而发出「滋…」的杂音。例如:C 和弦

      

 

 

 

  2. 靠在琴衍上

  如果靠在琴衍上或太超过琴衍都不行,吉他会容易发出「闷闷」的声音,这样吉他的声音就不乾淨了。例如:A7 和弦

 

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  3. 左手没有支撑点

  按开放和弦(Open Chord)的时候,「左手食指根部」可以轻靠琴颈下缘,作为整个手掌的支撑点,稳定压弦的手指。虽然手掌容易碰到第一弦,但只要调整一下角度就好了。若左手没有支撑点,在转换和弦时很容易发生失误。下面四张图,可以看出手指压和弦的差异性,多比较看看差在哪裡~

 

 

                            

 

 

 

  4. 碰触到其他弦

  手指指肉碰触到其他的弦,也是吉他新手常常会犯的错误,这时候就要注意调整一下指尖的角度。

 

  5. 左手指甲剪不乾淨

  指甲剪不乾淨也会导致按弦姿势不好调整,容易使手指平躺,以至于按到其他弦

  吉他和弦:正确的姿势

  a. 指尖角度

  如上图所示,只要以不会碰触到其他弦为原则即可,没有一定要每根手指都 90度垂直于指板,有些和弦不一定需要这样。若是指尖的肉比较厚的人 (1)可能初期会比较辛苦一点,这时手指就要尽量翘起,指肉不要碰触到下方的弦,多加练习不同的角度跟位置,找出不会碰到其他弦的姿势,放开之后再重压,反覆练习,习惯之后就不会一直碰到其他弦了。

 b. 合理配置手指

  没有怎麽压才算正确,但也不能随便乱压,如果过于勉强手指也是不好。所以尽量要合理化配置手指,来压好和弦,避免过于勉强的压法。

 

  c . 大拇指的位置

  只要左手食指根部轻靠琴颈下缘,大致上就可以稳定。手指较长的人,还可以试著将大拇指放置在琴颈上缘,握住整支琴颈,除了增加稳定度以外,若和弦图第六弦是打X的,还可以顺便闷住。当然如果手指不够长,放置再琴颈后方也是OK的。

  5. 手指与琴颈呈斜角

  手指须与琴颈呈斜角,而不是90度。这样可以帮助手指有更大的灵活运用范围,也不会使手指在压弦时变的很僵硬。最简单的方法,就是只要「让你的指甲面对你」就可以办到了。

  6. 闷掉不该发出声音的弦

  这应该是最多人会忽略到的点,也是「刷和弦」时最常犯的错误,如果吉他图表出现 X 表示:那条空弦-非和弦组成音,不能弹到。X 最常出现在第6弦(最粗)或第1弦(最细),第6弦,可以用大拇指闷住,轻触就好,不要压;第1弦,可以让手指稍微的躺平,自然就会闷到了。



自吉提高练习

  下面开始吧:
   1. 练习时前面放块镜子,对照镜子看自己的身体、手臂和手指。仔细体会并发现自己身上、手上是否有肌肉紧张、不顺畅的地方。确保你的坐姿和持琴的姿势没有给你带来任何不舒服。
 
  2. 争取让错误只出现一次。在练琴的过程中出错是难免的,但不要盲目地重复你所弹错的地方,先停下来思考一下导致错误的原因,发现它并改进它,让你的手按你的意志弹出正确的结果。把每一个错误都看成是一次学习的机会,找原因并改进。
 
  3. 追究每一个错误的细节,在头脑中清楚明确地知道发生了什么。是哪个音少弹了或没弹准?应该用哪个手指去按弦?在按弦之前手指应该停留在哪个位置,作什么准备?
 
  4. 每天都坚持给自己的弹奏录音。仔细听自己的弹奏,从中找出你最不满意的部分,想想如何能把它弹得更好。
 
  5. 尽量多在他人面前演奏。每一次都要清楚地意识到自己的感觉如何,弹奏如何,身体上是否有紧张感?情感上是否投入了?在心理上是紧张、焦虑,还是感到了演奏音乐的快乐?这些分析有助于你了解自己,看在哪些地方需要提高,成为一个成熟的演奏者。
 
  6. 将你的手指看作是不同的人,你可以假想它们有自己的名字,他们在一起是一个乐队,互相配合。每当你用一个手指按弦时,你要想象自己就是那个手指人。这种想象可以让你在弹奏中更细腻地体验手指的感觉。缺乏对手指的感觉是引起各种演奏上技术难度的根源。
 
  7. 在你的面前除了曲谱之外,还要放着一个记录本,每当你发现了自己的弱点,或最需要改进的地方,或需要加强练习的地方,都要把它们写下来,还要再写出你决定如何改进。把它经常放在你面前,或打印出来钉在某个地方让自己能经常看到。经过这种反复的提醒,在下一次练习时你会下意识地注意。
 
  8. 在每一次移动手指时,要思考你的下一个动作,每当你练习的时候,要注意你的全身。
 
  9. 使用节拍器,把它当作你提高技术不可缺的工具。弹奏速度是慢慢建立起来的,比如,先从60BPM开始,一个音弹奏4拍(这是一个慢得很痛苦的速度),在这个速度上发现自己手指和身体的肌肉紧张感,放松并消除紧张感。然后到80BPM,100BPM。回过头来再重新用60BPM这次一个音弹奏2拍,接着再上到80BPM,100BPM。按照这样的循环再练习一个音1拍,1/8音符,最后是1/16音符,慢慢再由100BPM上升到你能达到的极限。


吉他大横按练习技巧方法

  初学吉他的朋友都会遇到这样的问题:练琴时遇到大横按的指法会感到力不从心,总是不能把琴弦按实,造成发音不完全出现闷音、哑音,特别是2、3、4弦。其实横按并不难,只要注意方法,你就可以让六根弦在你的一指禅下发出流畅的旋律!
 
  1、以F和弦为例,请伸出你的左手食指,伸直,靠到一品的品格上,按住1-6弦。左手大拇指从背面压住琴颈。
 
  要点:刚开始肯定会感觉食指指纤弱无力,可以通过平时加强手指练习逐步克服,按弦过程中可以尝试使手腕适当向外突出一点,把手掌送出去,再使手指弯进来。

 

  2、食指和拇指要像一个钳子一样夹住琴颈,拇指可以帮助食指一起用力。初学时会遇到发音不响亮、不扎实且有噪声,这个问题产生的原因可能是横按的食指位置不当,不是盖到音品上就是远离音品,从而致使声音发闷或发毛,但也可能是食指弯曲,没有把弦按到底,多注意练习慢慢即可克服。

 

  3、练习琶音。右手食指或拇指从六弦依次刮到一弦,就是所谓的琶音。
 
  用琶音检验大横按。左手食指按好横按后,右手从六弦到一弦开始琶音,看是否每个音色都饱满。
 
  提示:一品大横按琶音后,我们可以用二品大横按进行琶音练习,之后三品四品依次顺序练习,熟悉大横按的感觉。让你的食指充分的伸直,尽可能的贴近指板,拇指要尽量的用力顶住琴颈,然后很轻松的把其他三个手指放到相应的位置上。

 

  4、食指、中指和无名指应当垂直竖立在指板上,完成F和弦。

  5、按住F和弦,进行琶音检验,确保音色饱满。
 
  提示:横按的发力技巧,首先,左手呈横按之式,不发力,虚放指板上;然后,将左手手腕逆时针旋转发力,使拇指和食指“卡”在指板之上。
 让我们大家一起来探讨一些大横按的练习方法吧:
 
  常见问题:
 
  一、手指缺乏锻炼,肌肉不够强劲有力,可以多加练习。
 
  二、琴弦离指板距离太远。它们之间正常距离应是在第一品时不超过去时1.5mm,在第十二品时,高音弦不超过4.5mm,低音弦不超过5.5mm,超过这个距离手指按琴弦就会感到吃力,这时就应该修磨弦枕和琴马,调整琴弦和指板的高度。
 
  科学的学习方法可以使学习事半功倍,下面是大横按的技术要领:
 
  ①1指不应用指肉软而厚的指头正面来按弦,而要用1指靠近拇指方向较硬的侧棱来按弦;
 
  ②1指横按时所有弦上的按弦点都应是靠近品柱的位置,这时1指应与音品平行,而不应是与音品不平行的斜按;
 
  ③拇指应严格比1指横按的把位低一品,拇指与食指不应正对着用力,这样不科学的方法不但用力很大,容易疲劳和受伤,又不容易按好,而是应该利用杠杆原理,用扭转和平行的力量,用最小的力量巧妙按好横按,并使左手各指保持最大限度的放松.

 


民谣吉他唱法的几种介绍!

     流行歌曲的演唱讲求个性,歌星们在声音上的差异之大,演唱风格之多样,使得我们无法像在“美声唱法”中那样将其划分为几个声部(男高音、女中音等),即便是用“声线”这个时下非常流行,却又是莫名其妙的万能术语,也还是难以一一描述清楚。但我们还是可以根据其渊源以及发声特点、演唱风格归纳出几种典型的“唱法”

  “低吟唱法”(Crooning),形成于30年代。那个时候,许多酒吧、舞厅、夜总会里添置了电子扩音设备,歌手们开始对着“麦克风”(话筒)唱歌。“低吟唱法”就是在这样的背景中产生的。由于话筒的扩音作用,歌手们不必像歌剧演员那样竖着嗓子吼,也不必像有些民族歌手那样横着嗓子喊,他们只须用说话般的音量轻轻哼唱,众多的听众同样可以听得真真切切。一些非常细致的艺术处理方式,如一声轻微的叹息、一个小小的停顿,都能被纤毫毕现地展示出来。

  早先的“低吟”歌手都是有着一定的美声基础的男中音或男低音。中国听众非常熟悉的平.克劳斯贝便是第一代低吟歌手。三四十年代“低吟”歌手演唱的抒情歌曲和爵士乐风格的歌曲是当时澈地歌曲的主流。50年代后,随着“摇滚乐”的兴起和民谣的复兴,流行乐坛不再是“低吟歌手”的一统天下了。但是“低吟唱法”并没有就此消亡,作为一种演唱方法,“低吟”对后来所有流行歌手的演唱产生了深远的影响。话筒的运用,声音的控制,旋律线条的连贯圆滑,歌词语气的表现,微颤音和气声运用等流行歌曲演唱的基本技巧在“低吟”中已经发展得相当成熟了。

  民谣在世界各地的流行歌曲中都占有重要的地位。民谣歌手用“本嗓”演唱,与“低吟”相比,这种唱法一般不刻意追求声音的圆润和共鸣,音色扁平、自然,强调吐字的清晰和口语化。鼻音在“美声”和“低吟”唱法中都是很忌讳一个毛病,然而许多民谣歌手(如约翰.丹佛、鲍勃.迪伦)却喜欢使用带有浓重鼻音的演唱方式,这种鼻音具有独特的抒情色彩,尤其是在演唱平缓的叙述性歌曲时,会产生一种亲切自然、富有磁性的魅力。民谣还经常采用重唱的形式,主旋律往往放在中低音声部,而高声部的伴唱常用轻柔透明的假声来演唱,因而假声也是民谣演唱中的一个重要特征。

  民谣唱法不仅限于民谣歌手,也包括一些摇滚歌手。如著名的“披头士”的大部分歌曲都是用民谣风格演唱的。民谣唱法代表了流行歌曲演唱中平实自然的一面,而美国黑人歌手则使得流行歌曲的演唱增添了华丽的色彩。

  美国黑人歌曲的渊源可上溯到奴隶制时期的田间号子,此后又陆续出现了灵歌(Spiritual)、福音歌(Gospel)、布鲁斯、索尔(Soul)等声乐体裁形式。黑人歌曲常采用一领众和的演唱形式,领唱者用呐喊、尖叫、抽泣、呜咽、滑音、颤音、假声等富于装饰性的演唱技巧,常常能将一些简单的旋律片断即兴演绎发展成极富感染力的毕彩乐句,产生出动人心魄的艺术效果。[

  富有激情和即兴装饰是美国黑人歌手演唱艺术的灵魂。许多摇滚乐歌手(尤其是硬摇滚和重金属摇滚歌手)的演唱风格也是由这种唱法衍生发展出来的。只不过摇滚歌手大都比较强调其嘶喊爆发的一面,而缺乏那种细腻的装饰技巧。

  爵士乐出现后,美国黑人歌手又创造出一种高度炫技性的演唱方式。在与乐队的即兴交流中,他们用一些没有具体含义的衬词唱出各种复杂多变的节奏型(称为Scatting)或用人声来模仿爵士乐队中的各种乐器的音响(称为Vocalese)。80年代兴起的饶舌乐(Rap,以急速的节奏念出歌词)在一定程度上也是这些高难度的人声表现方式的延续。以上介绍的是流行歌曲的几种比较典型的演唱风格。在千变万化的流行歌坛上,绝大部分的歌星并不固守某一种“唱法”,而往往是在这几种基本演唱风格的基础上,根据其自身的声音条件和特点并结合歌曲表现的需要,加以变化融和,从而形成自己独特的演唱方法和艺术风格。

  音区与音色

  人声音区的各个部分有着不同的色彩:高音区明亮,中音区柔美,低音区沉厚。流行歌曲的演唱通常也是遵循各音区的自然属性,发挥其自身的表现作用。但有时也会根据歌曲内容表现的需要而改变各音区的自然色彩。如《一无所有》的旋律常在高音区徘徊,但在演唱时却应该将音色处理得暗一些。倘若一味强调高音区的高亢明亮,就难以表现出歌曲中所蕴含着的那份执著和抗争。

  流行歌曲的演唱追求的是本色自然,但许多初学演唱的人在一开始的时候并不能找到自己的“本色”,而往往是模仿录音带上自己喜欢的歌星的声音特征和发声方法。

  流行歌坛中有许多嗓音嘶哑嘈杂的歌手,以至于引起这样的误解:只有沙嗓子才能当歌星。事实上,流行歌坛中的甜美圆润的歌手并不比沙嗓子的歌手少,只不过是沙嗓子的歌手因其音色的独特而更为人们所瞩目罢了。

  对沙嗓间的崇尚并不是流行歌曲演唱中所独有的审美指向,在各国的民间音乐,尤其是我国的戏曲中,沙哑音色早已是习以为常的一种表现手段了。问题的关键并不在于音色的沙哑上,而是这种音色所能表现的情感的力度和深度。当人的情感达到极端状态时,常会伴随出现嗓音的沙哑。这种音色有时也会与某种特定的审美意象相联系:粗犷强悍的阳刚美,饱经沧桑的成熟美,这些都理颇具偶像魅力的。此外,流行歌曲中常见的反叛、挣扎、调侃和嘲讽等内容也适合于用沙哑的音色来表现。

  嗓音沙哑的歌手在演唱不同类型的歌曲时,会对音色稍作调整,以适合歌曲的表现需要。如罗大佑唱《超级市民》时声音偏“破”偏“炸”,唱《痴痴的等》时偏“哑”偏“压”,而《沉默的表示》就干净柔和了许多。

  每个人的嗓音都有其特定的音色。尽管这种音色有一定的伸缩性和可塑性,但嗓音的调整改变是有限度的,超出了限度,就会引起发声器官的疲劳。时间长了,还会引发病变。有许多声音甜美的歌手就是因为盲目模仿沙嗓子而毁坏了声带。断送了自己的艺术前程。

  假声与气声

  所谓“假声”是指演唱时通过有意识的控制而只使部分声带发生振动所发出来的声音,这种声音比由整个声带都振动的“真声”要高要弱,而且音色有一种晶亮透明的感觉。

  大部分流行歌手(无论男女)是用真声演唱的,以获得一种自然、亲切、贴近口语的风格。有些女歌手(如齐豫、黄莺莺)在演唱音域较宽、艺术性较强的歌曲时则以假声为主的。男歌手在演唱伴唱声部时常用假声,如美国的“西蒙与伽芬科尔”重唱组中的伽芬科尔,和台湾“优客李林”重唱组中的林志炫等。这也是乡村音乐风格重唱的一个重要特征。但像“摩登谈话”(Modern Talking)中的主唱那样的纯用柔美的假声来演唱的男歌手是不多的。

  发出优美的假声的关键是要有比较高的发声位置,在运用假声时要注意真假声之间衔接转换的光滑流畅,不能有断裂。一般说来,假声比较缺乏力度,但在必要时也可将假声转换成一种半真半假、半嘶半哑的叫喊。许多重金属摇滚乐歌手就喜欢用嘶哑的假声来演唱。

  假声还可以作为一种修饰声音的方法,将真假声结合在一起的“混合声”能产生一种柔和、细腻、略带飘渺的艺术效果。比较一下童安格与屠洪纲演唱的《生命过客》,前者是用纯粹的真声,而后者用的是介于真假声之间的音色来演唱的。刘欢和齐秦演唱的《大约在冬季》也有这样的区别。童安格的《忘不了》、伍思凯的《特别的爱给特别的你》所使用的真假声间的突然转换,朱哲琴的《一个真实的故事》结尾处用假声演唱的华彩段,都是流行歌曲中常见的假声应用方法。惠特妮.休斯顿的《所有的爱都留给你》中先用温馨的混合声在中低音区轻轻吟唱,然后用挺拔高亢的真声将歌曲逐渐推向高潮,及至歌曲的最高点,突然改用极柔美的假声。这是在演唱中运用真假声的转换变化来表现起伏跌宕的情感的一个优秀的范例。

  国内常有所谓的“气声唱法”。其实“气声”并不成其为一种“唱法”,而是一种声音运用技巧。气声本无语格调高下之分,关键是不能滥用。若能抓准时机,运用得当,可以起到画龙点睛的作用。如美国歌星莱昂纳尔.里奇演唱的《你好》(Hello)在副歌处先是用激昂的声音反复铺陈,最后用气声轻轻送出一声“I love you”,很有表现力。台湾的邓丽君也是一位十分善于运用气声的歌手,与气声类似的还有“泣声”和“破音”。运用时也必须非常的谨慎。

  “泣声”就是在歌声中掺入一些抽泣、哽咽的成分。包娜娜演唱《掌声响起》中“我的眼泪忍不住掉下来”的“掉”字上就非常得当地加了一点“泣声”。玛多娜唱过一首《这里爱情不复存在》(Love is not here any more),从头至尾“泣声”不绝,但在具体处理上很有层次。先是轻轻抽泣,然后从呜咽到放声痛哭,直至泣不成声。流行歌坛上还有一些被称为“催泪人” (Tearjerker)的歌手,如美国的埃迪.费谢(Eddie Fisher)、汤姆.琼斯(Tom Jones),他们的声音中总是带着一些“哭泣”。张学友和潘越云也善于在演唱时运用“哭腔”。以强气流冲击声带所造成的“破音”也是一种很有表现力的声音装饰技巧,刘欢演唱的《我心中的太阳》最后一句中的“我”字上就用了一点。

  摇摆

  流行歌曲的伴奏部分一般都有一个打击乐器和低音乐器提供的基本节奏,这个基本节奏往往是比较稳定而鲜明的,而演唱者通常会在这个伴奏节奏之上对旋律的节奏作一些细微的伸缩变化,以打破其律动的方整性。这种处理称为“摇摆感”(Sense of Swing)。

  在长音之前常往后拖一拖,如《故乡的云》;有时又往前赶一赶,如《痴痴的等》;各种大拍子的连音(如四分音符的三连音)也是形成这种节奏变化的常用手段,如《无尽的爱》(Endless Love)。经常使用切分节奏是流行歌曲的一个重要特征。欧美流行歌曲中经常会出现长时间的连续切分,使伴奏中的基本节奏与声乐主旋律之间形成错位,造成一种“悬浮”的效果。如“比吉斯”小组(Bee Gees)演唱的《你的爱有多深》(How Deep is Your Love);还有的歌曲中运用了许多细微的切分节奏,能产生一种独特的韵律。如美国歌星迈克尔.杰克逊演唱的《拯救这世界》(Heal the Worle)

  华彩

  华彩是演唱者对歌曲的基本旋律进行即兴装饰变化的一种手段,在民间歌曲、古典美声歌曲的演唱中都很常见,在流行歌曲,尤其是爵士风格的歌曲中,更是一种十分重要的表现手法。电影《监狱枭雄》(Unchained)中有一段器乐演奏的配乐,其中的一段旋律便是这样的。

  “棒小伙”(Righteous Brothers)演唱组唱的《锁不住的旋律(Unchained Melody)是将旋律填上歌词而成的。他们在演唱时用旋律华彩的技巧来加以润饰;电影《保镖》中的插曲《我将永远爱你》(I Will Always Love You)原先也是一首纯朴的乡村歌曲,惠特妮.休斯顿在演唱时加入了许多花腔,便使歌曲变得华丽奔放。

  花腔还时常作为一种“变奏”手段,在乐句或乐段重复时使用,以使音乐获得更大的发展动力,就像台湾歌星杨庆煌演唱的《会有那么一天》中那样。有时花腔还可作为伴唱,与未经装饰的旋律原型同时陈述。如英国歌星罗德.斯蒂沃特演唱的《航行》(Sailing)。歌曲的结尾处也是展示花腔的好时机,如美国黑人歌星阿隆、奈维尔演唱的《无需知道太多》(Don”t Know Much)的结尾。

  华彩需要高超的演唱技能。歌手必须对于真假声转换、颤音、顿音和快速的旋律跑动等高难度技巧都能驾驭自如。华彩还需具备即兴创作旋律的才能。这种创作并不是毫无根据的凭空捏造,而是以歌曲的旋律走向、和声框架、情绪发展和艺术风格等因素为依据的。就其本质而言,华彩是歌手在处于高度激情状态中的一种下意识的表现,而这种表现的成败优劣则取决于歌手平时的艺术感觉、修养和积累。

  摇滚唱法是喊与吼,是对这种音乐的误解。那种不正确的唱法对嗓子没有好处。国外有些摇滚明星也有被这种唱法害了的。现在的摇滚歌手除了某些HEAVY METAL,有不少不是用喊与吼的。而是用假声与膈肌力量。


民谣吉他打品的解决方法!

  打品就是琴弦太低或者个别品丝太高造成弦震动的时候触到较高把位的品丝产生杂音或者不出声。

  1、琴弦太高的情况。

  首先我们用上面检查琴颈弯曲度的办法看看我们是不是把琴颈调的过度了,造成琴颈向后弯,这种现象往往表现为低把位打品打品严重,12品以后的反而手感声音很正 常。压住一品和15品的时候弦跟中间的品丝全部沾在一起。这时候我们应该用六角扳手逆时针转 动琴颈钢筋,放松琴颈使他恢复正常。

  2、琴枕和琴码太低造成打品。

  在琴颈弯曲度正常的情况下,琴枕检查比较容易,通常是第一品 打品,按住其他品都没事。如果是琴码太低,打品就会出现在比较高的把位,比如5品甚至7品以 后。这样我们就应该更换新的琴枕或者琴码了。

  3、部分琴做工不好或者我们经常只弹个别把位使这个品丝磨损过大,都会造成个别品丝高度不 正常。

  品丝的诊断要小心,因为品丝比较贵,而且更换不容易,所以我们要更加小心行事。举例 子研究:如果面板、琴颈、琴枕、琴码正常的时候按住第五品弹出现打品,有两个可能:

  (1)第五品品丝低了。

  (2)第六品品丝高了。

  如果我们鲁莽地以为是第六品过高而敲低他,就会使六品相对七品又低了连锁反应我们会对所有品丝动错误的手术,所以我们应该按一下相邻的3、 4、6、7品,比较一下弦按住以后的高度,正确查出是第五品偏低还是第六品偏高。然后处理。 如果单个品丝偏高,我们可以在这个品丝正对的琴颈背部垫一个硬物,中间最好铺一些软的毛巾或者胶片防止损伤琴颈漆面,然后轻轻敲打品丝,敲的时候用有胶头的锤子,如果找不到,现在很多螺丝刀的都有橡胶把手可以用来压在品丝上面,用锤子轻敲把手。注意品丝很容易敲进去, 所以一定一定要轻轻敲一点,然后试验一下,不要过度。

  如果单个品丝偏低,就要取出来重新安装,取出的方法是用一个尖细的硬物顶住品丝一端顺着品 丝的方向平行着指板敲,可以让他从另一端退出来(琴颈有包边的小心)。注意不要搞裂指板上的槽口。

  进行上面步骤要注意,有可能个别品丝上面某一点有一个突起或者凹陷造成一根弦打品而不是所 有弦打品,如果是突起,磨掉这一点就行了,如果是凹陷就要更换。 另外,品丝的操作新手除非抱着学习态度否则建议找熟手干。


音色要均匀清亮?

  吉他很精巧,对它来说,力度,位置,技巧,速度上任何一点变化都会产生不同色彩的声音。并且爱弹吉他的人,不一定是精通乐理的,也不一定有一双极具天赋的手,更不一定刻苦得每天练琴10个小时,。但有一点是肯定的,他是个细心的人,在内心里面有静的一面,他感情细腻,善于发现感情表现的方法及微妙的差异。所以想尽善尽美的操纵自如就需要学习更多很好的技术,扫弦就是其中之一。

  扫弦是很难精通的技巧,需要时间去慢慢进步。初学者往往扫弦节奏单调,音色不均匀,加上姿势丑,所以不愿意继续练习,而是陶醉在自己觉得还不错的分解和弦里面,孰不知扫弦在他内心已经成为永久的痛。每当他看到高手扫弦弹唱时,那阵阵悠扬的声音让他很不是滋味。于是他又决心再练,结果还是无法进步。

  我们不能一辈子这样下去,打破这样的恶性循环!好,下定了决心,我们来简单探讨扫弦。主要是两方面,一个是音色,一个是节奏。

  音色要均匀清亮是件很难做的事。每次在视频里看到朱家明老师在扫弦时所发出的声音,简直就像细沙在丝绸上刮过!扫弦是极具魅力的,除了潇洒,还有那音色。我一直认为钢琴是水晶的声音,古典吉他是泉水的声音,而好的民谣吉他就是丝竹的声音,很有东方色彩。我好象扯远了。好,言归正传,我讲讲自己摸索的一些方法

  1、音色如果太硬可以调整食指指甲接触弦的面积,面积越大,音越柔和。

  2、扫的时候要干脆,接触弦的时间不能长。

  3、手放松,就像在甩手一样。

  4、左手和弦要按紧,不然会有杂音。

  5、边扫边调整右手的角度,达到最佳效果。

  6、坐姿端正,全身不要紧绷,扫的时候整体上觉得自己很潇洒。(可照着镜子练)

  7、左手可用制音的方法,即轻压和弦,右手扫闷音,也能听出是否均匀。

  再说节奏。关键是情感。把握了情感你也就能控制节奏!

  1、照谱扫弦的时候,不要全部按它写的弹,就是说不要它说上就上,它说下就下,你自己凭感觉去扫,书只有参考作用。

  2、不要一味扫六根弦,要学会时上时下。对初学者来说,这主要是由音的高低决定的。

  3、脚踩拍子,从最简单的节奏型扫起。

   4、听MP3的时候,注意架子鼓的节奏,很有启发性。比如在高潮快来的时候,可学着到5,6弦反复向下急扫来衬托气势。

   5、学着边扫边加入一些单音或和弦,这在使用拨片时更重要。也要学着加入一些大拇指和食指的琶音。

  6、多看高手扫弦,偷学他们的技巧。


什么是滑音

  滑音按其滑动的方向分有:由低音滑向高音的上滑音;由高音滑向低音的下滑音。按右手的动作来区分,有前一个音要拨,后一个音不要拨的连滑音,和前后两个音都需要弹拨的断滑音。

  除少数情况,一般滑音都在同一弦上进行,上滑音和下滑音的奏法相同,但上滑音比下滑音容易发出声。另外,在吉它上,较快的滑音比较慢的滑音的效果好,近距的滑音比远距的滑音效果好。

  连滑音的奏法是:

  左手手指按在弦上用右指弹出第一个音,然后用同一个左指紧贴在面板上,作平滑柔和地移动,到达指定位置。即靠弦的余振把经过音(半音阶式的滑音效果)和最终音发出来。在连滑音中有一个特殊的情况,就是滑音的两个音之间只相差半度,即小二度关系,在吉它上只相差一个音品。这时滑音的效果是无论如何也听不出来,而和连音效果倒差不多,不过,其奏法仍属于滑音性质。采用这种方法大都是为了运指的方便,因为它等于换了一个把位。

  断滑音的奏法是:

  右手先弹出左指按着的第一个音,然后用这个左指紧贴指板平滑柔和地移动到指定位置,用右指把最终音再弹一下。奏滑音时左指可不必拘泥于同一个指头,根据需要在滑的过程中可以换指。

  换指的方法一般有两种:顺势换指和逆势换指。

   顺势换指,即在上行时用下面的手指替换上面的手指,在下行时用下面的手指替换下面的手指。用这种方法不会使滑动的手指超出第二个音符的位置。具体方法是:按第一个音符的手指按连滑音的方式向第二个音符的位置滑动,在滑到另一个手指能够按到第二个音符的同时,马上把另一个手指按下,按在第二个音符的位置上。

  逆势换指,即上行时用上面的手指替换下面的手指,下行时用下面的手指替换上面的手指。这各方法会使滑动的的手指超出第二个音符的位置,因此使用时很有可能一不小心使超出第二个音符的音响了起来。这时正确的方法是:按第一个音符的手指照连滑音的方式向第二个音符的位置滑去,在滑到第二个音符位置的一刹那,手指松开,同时马上把另一个手指按下,按在第二个音符的位置上。

  在不同弦上的滑音也可用断滑音奏法奏出,但这种滑音其二者之间的经过音不能全部滑奏出来,而只能滑奏出其中的一部分。如何滑奏这一部分经过音呢?一般认为这一部分经过音放大滑音的前一个音符所在的弦上比较合适,同时经过音的终止端不能有太明显的痕迹,应该让它渐弱,含糊些,以免后一个音符出现时产生一个大跳的感觉。

  注意:滑音,特别是换指的断滑音的演奏方法很多,不仅仅局限于为上几种,有些演奏家用自己的独特方法,同样能得到很好的效果。例如有的人在滑音时注重滑音的前一阶段,而让后一阶段逐渐淡化;又如在逆势的换指断滑音中,用前后两个音符所需的两个手指同时按在指板上滑动,在滑动的过程中巧妙的换指,等。总之,要注重效果,特别是换指滑音,不要让人听出换指的痕迹,使滑音自然,圆滑。双音的滑音方法和单音的滑音方法一样。

  注意事项:在需要滑音的两个音符中,滑动过程这部分时间总是占在前一个音符上,而第二个音符总是在拍子上出现。因此,在使用滑音技巧时,就要掌握并处理好这部分时间,既要使前一个音符在时值比重上站得住脚,又要使后一个音符在时值上不受影响。有些学生在滑音时,前一个音符刚一出现,就进入滑音过程;也有些学生为了突出滑音效果,盲目地延长滑音过程,结果适得其反,而且影响了后一音符的出现,造成节奏上的脱拍。这些都是不对的。适当的滑音过程仅占前一音符的很小一部分比例。


六线谱上的数字是什么意思?

  六线谱上很多时候会有数字在上面,比如0,1,2…等,如图:

 

 
  六线谱上的数字是什么意思?
   0代表空弦,也就是0这个数字的条弦左手不能按,右手弹响这跟弦就对了,如上图第一个0,意思是第一弦左手不按,然后右手拨响第一弦。
   2 代表是第二品位,如上图,第一个2是在第一弦上面,意思也就是说左手按在第一弦的第二品位,然后右手弹响第一弦了,
   其它的依此类推,只要明白这个道理,大家就能看性六线谱上的数字意思了!